Es innegable que la subjetividad de cada individuo distorsiona las visiones colectivas de las que parte. Tal distorsión será la base de la originalidad y la creatividad. No obstante esa distorsión, el diseñador intenta comunicar. Es cierto que el diseñador también plasma su subjetividad en su obra, pero tal subjetividad solamente cobra sentido en el marco de la comunicación humana. Así, el diseño gráfico puede entenderse como un "arte mayor", un arte de nuevo tipo, un arte colectivo que involucra directamente a la sociedad que lo produce, en el tiempo que lo genera. En esta nueva conceptualización, se establece una relación con el arte, en la cual éste es visto desde el diseño como un campo en el que se podía experimentar con la forma libremente, a fin de aplicar los resultados en objetos útiles para la vida. A partir de los años 70 se cambia este enfoque de la relación arte/diseño, especialmente desde el Pop Art, para el cual los cuadros toman y hacen suyas imágenes e incluso objetos producidos exclusivamente para la cultura de masas, la mayoría de ellos anónimos y con un grado de “artisticidad” cercano a cero. Era el diseño el que le prestaba formas al arte. Es, en los mismos años setenta donde surgen movimientos que proponían nuevos formatos estéticos, en los cuales las artes plásticas no se manifestaban en la producción de un objeto físico, produciendo un resquebrajamiento de las relaciones arte/diseño que habían propuesto las vanguardias históricas (se encuentran desarrolladas en la 2da Parte del informe). A partir de los años 80 se produce la humanización del diseño a través de la expresión personal. Para Jacinto Salcedo: “el diseño "de autor" se ha democratizado en tanto es una ofrenda de tolerancia y respeto a los estilos de vida. Inclusive ya la publicidad trabaja sobre mercados menos integrados y menos globalizados”.
Fuentes bibliográficas y sitios:http://www.zanicdesign.com/
http://www.revistatodavia.com.ar/
http://www.proyectoweb.org/
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